Breve historia del Metal

Metal

Entrevista con Roger Waters

En Francia, donde se encuentra terminando una ópera, el ex líder de Pink Floyd conversó con "Wikén" a propósito del vigésimo aniversario del lanzamiento del clásico álbum y del proyecto de publicación de material en vivo inédito de la banda. "Será como un documento histórico", cree el músico, quien no habla con sus ex compañeros de grupo desde hace más de diez años. El otoño parisino dejaba caer sus intermitentes lluvias, cuando en el salón Marly, del elegantísimo "Hotel de Crillón", Roger Waters recibía con tranquilidad a la prensa internacional como parte de su contribución al vigésimo aniversario de uno de los discos más famosos de la historia. Pero nada más. El mismo reconocería, más tarde, que "no tengo nada que ver con la decisión de este lanzamiento"


El músico se refiere a una versión en vivo de "The Wall", trabajo originalmente publicado en 1979 como una ópera rock en formato doble y en la que Roger Waters compartía con el mundo la paranoia de una estrella de rock como él, atribulado por fantasmas de su niñez y las exigencias de su fama.
Gracias a canciones como "Confortably Numb", "Mother" y, especialmente, "Another Brick In The Wall. Pt. 2", Pink Floyd alcanzó audienciashasta entonces insospechadas, ubicando al grupo durante 15 semanas en el tope del ranking de ventas estadounidense.

"Is There Anybody Out There? The Wall Live" será el título del disco que aparecerá el 7 de febrero próximo, a exactos veinte años de la primera presentación en vivo del álbum, en Los Angeles. El lanzamiento había sido anunciado en un principio para diciembre, pero diversas exigencias técnicas retrasaron su salida.
La placa contendrá registros de shows realizados por Pink Floyd durante 1980 y 1981, que fueron grabados pensando en su inclusión en la película homónima que en 1982 estrenó Alan Parker. Se trata de material que nunca fue utilizado y que no había sido mostrado hasta ahora.
Las cintas debieron ser remezcladas por el ingeniero James Guthrie, el mismo que trabajó en el clásico álbum. "Me ha estado mandando las mezclas para que le dé mi opinión en la medida en que va avanzando", cuenta Roger Waters. "Ya he recibido las primeras y suenan bien".

- ¿Ha retomado algún tipo de relación con los demás miembros de Pink Floyd a propósito de este proyecto?"No".

- ¿Y hay alguna posibilidad de que vuelva a realizar algo junto a Pink Floyd?"No".

- ¿Pero mantiene contacto con Gilmour o los otros integrantes del grupo?"No".

Si Waters parece escueto es porque habla desde una posición, en rigor, ajena a Pink Floyd. Una creciente rivalidad personal y artística culminó, en 1986, con el bajista demandando judicialmente a sus compañeros de entonces - el guitarrista Dave Gilmour y el baterista Nick Mason- para acabar con su alianza profesional e impedir que éstos se quedasen con el nombre del grupo.Waters perdió y sus antiguos aliados - junto al reincorporado tecladista Rick Wright- mantienen hasta hoy a Pink Floyd funcionando como un gran mastodonte rockero con esporádicos golpes comerciales, como "Momentary Lapse Of Reason" (1987) y "The Division Bell" (1994).


- ¿Cuál es, a su juicio, la marca que ha dejado "The Wall" a través de las generaciones?"Pienso que las ideas de la obra unen a personas de todas las edades. Las cargas psicológicas son las mismas, no han cambiado en estos últimos veinte años. Pienso que "The Wall" atraviesa las generaciones y por eso siempre está renovando su público".

- ¿Se esperaba el éxito de "The Wall" al concebirlo?"Sí".

- ¿No lo sorprendió?"No. También pensé lo mismo con "The Dark Side Of The Moon", dice Waters refiriéndose al disco que Pink Floyd publicó en 1973 y que les abrió las puertas del mercado norteamericano.

- Mucha gente recuerda a "The Wall" como un símbolo del rock progresivo. ¿Tenía usted la noción de estar incursionando en un terreno desconocido en los conceptos del disco?"Sí", dice Waters, quien no sólo compuso, sino también co-produjo e interpretó la guitarra, el bajo y la voz en todo el disco. "Logré expresar con mayor coherencia algo que ya había estado trabajando en discos anteriores: temas más largos, un conjunto de ideas para crear un todo. Eso que se convirtió luego en lo que la gente entiende por un álbum conceptual".

- En sus comienzos la banda fue muy psicodélica. ¿Se considera como un precursor de la música electrónica actual?"No tengo idea. Pienso que la tecnología siempre ha forjado su camino, ya sea en formas digitales como ha sido el caso de la música popular, o en los fotomontajes realizados por David Hockney. A veces la tecnología puede ayudar, pero otras veces el trabajar con máquinas puede hacer perder mucho tiempo".

En 1980, los conciertos de presentación de "The Wall" marcaron un hito en la historia de los montajes musicales. Durante sus presentaciones, la banda comenzaba a ser rodeada por un muro real, que se iba levantando a medida que se sucedían las canciones del disco. "Era muy excitante. Un trabajo muy duro y satisfactorio", recuerda Waters.

- ¿Qué anécdotas recuerda de la grabación del disco?"Todo fue muy rápido. Si yo necesitaba algún elemento para el disco decía okey, enchufen aquí una tele, pongan enfrente un micrófono y hagan andar la multitrack. Y cualquier cosa que estuviera apareciendo en la televisión en ese momento quedaba registrada para el disco. Nada se buscó de manera demasiado premeditada. En otras ocasiones sacábamos un micrófono a la calle y grabábamos el tráfico. Cosas así".

- ¿Cuánto se demoraron en realizar el disco?"Trabajamos en Francia cerca de cuatro meses y luego otros cuatro en Los Angeles, así es que tardamos alrededor de siete u ocho meses".

- ¿Quién tuvo la idea de hacer la película?"Bueno, yo siempre tuve la idea de hacer una película, y luego lo discutimos con Alan Parker y Joe Scott. Alan Parker siempre tuvo muy claro que no debía ser un filme en el que saliera la banda tocando, sino una película narrativa, que usara la música como un hilo conductor para contar la historia".


El filme "The Wall" se unirá al proyecto aniversario, relanzándose en VHS y DVD con sonido remasterizado e imágenes no incluidas en la versión original."No Quiero Escuchar el Disco"

Iniciado oficialmente como solista en 1984, con el álbum "The Pros And Cons Of Hitch Hiking", Roger Waters se mantiene hasta hoy ocupado en diferentes proyectos musicales. El más reciente es una ópera acerca de la Revolución Francesa, que el músico inglés graba por estos días en París y que espera publicar el año 2000."Además, en febrero entraré a estudio para trabajar en un nuevo álbum pop, un disco con mis propias canciones", adelanta. "El verano pasado hice una gira por Norteamérica en la que toqué una de las nuevas composiciones, así que estoy muy entusiasmado con la idea de hacer un nuevo trabajo".

- ¿Fue una decisión muy difícil para usted abandonar Pink Floyd?"Lo que pasó con Pink Floyd fue que desde "Dark Side Of The Moon" comenzamos a distanciarnos. En un momento u otro llegaría el punto en el que ya no podría seguir trabajando con ellos. Yo estaba componiendo cada vez más y ellos cada vez menos, así es que no era una colaboración feliz. Eso es todo lo que se puede decir".

Waters retomará el tema más tarde, para descartar los rumores que han circulado en torno a una posible reunión con sus ex-compañeros para conmemorar el relanzamiento de este nuevo proyecto.""The Wall" no se está presentando ahora y no se va a presentar", confirma el músico, quien montó por última vez su espectáculo para celebrar la caída del Muro de Berlín, en 1990, y no proyecta repetir la experiencia."Me pidieron volver a montarlo el próximo verano en Norteamérica. Dijeron que sería un espectáculo gratuito, para algo así como un millón de personas. Pensé bueno, quizás. Pero luego, cuando quise saber quién pagaría todo, me respondieron que conseguirían auspicios de empresas multinacionales. Entonces dije no, muchas gracias".

- Y acerca de esta nueva edición de "The Wall", ¿piensa que es algo nuevo, un aporte musical o sólo una operación de marketing?"Creo que puede ser muy interesante para la gente que fue seguidor de Pink Floyd y que le gustaría tener esta grabación. Es como un documento histórico. Pero la motivación de sacar este disco a la venta es claramente el dinero. Yo no tengo nada que ver con eso. La decisión es de EMI y de mis antiguos colegas".

- ¿Y no tiene usted los derechos?"No, por supuesto que no. Los derechos de esos discos son del sello y la decisión de editarlo recae en la compañía Pink Floyd Music Ltda., de la cual sólo tengo el 25 por ciento. Así es que mi decisión carece siempre del peso suficiente".

- ¿No considera que vale la pena hacerlo?"Yo no lo hubiera sacado a la venta. Pero eso no quiere decir que me parezca una cosa mala. Es sólo que ni siquiera quiero escucharlo. De cualquier forma, la decisión ya está tomada por otros, así es que estoy dispuesto a hablar de ello porque es mi trabajo".

- ¿Ha planeado algo para el Año Nuevo?"Sí. Estaré en casa con mi esposa, tomaremos champaña y veremos los fuegos artificiales".

- ¿Qué piensa sobre el hecho de tener fans en todo el mundo?"Me encanta que mi música se haya difundido. La única nueva canción que toqué en mi anterior gira, "Each small candle", comienza con un texto proveniente de Sudamérica, escrito por un hombre que fue torturado, no sé si en Chile, Argentina o Nicaragua. Me lo dio un periodista italiano y le puse música, pero le agregué un texto mío que dice cada pequeña vela ilumina un rincón de la oscuridad. Trata sobre la idea de que la responsabilidad personal puede potenciar acciones colectivas, en el sentido de que sólo podemos cambiarnos a cada uno, pero que a través de cambios individuales sucede algo mágico. De eso se trata mi nuevo disco".

- ¿Piensa ir a Chile en una próxima gira?"No, no planeo ir a Chile".

- ¿Y le gustaría? 'Sí, me encantaría. ¿Es buena la pesca allá?".

- Sí."Amo la pesca con mosca, siempre he querido ir a Sudamérica a pescar. Lucas Bridges, un gran amigo de mi abuelo, a quien conocí cuando era muy pequeño, escribió un libro llamado "The ultimate part of the earth" sobre la exploración de la Tierra del Fuego, en la Patagonia. Siempre he querido ir ahí".


(Esta entrevista data de 1999 y ha sido tomada del club hispano de Pink Floyd http://www.pinkfloydclub.com/index.html. Roger Waters se reunirá una vez más en 2005 con sus ex-compañeros de Pink Floyd con ocasión del Live 8 para recaudar fondos para erradicar la pobreza. Ésta es la última reunión de los miembros originales de Pink Floyd, ya que debido a la muerte en 2008 del teclista Richard Wright, el grupo ha expresado su negativa a otra reunión).

http://www.roger-waters.com/

Made In Heaven. El adiós de Queen.

Made In Heaven es el último disco de la banda inglesa Queen con su formación original editado en 1995, casi cuatro años después de la muerte del cantante Freddie Mercury. El disco es un conjunto de grabaciones descartadas a lo largo del tiempo sobre las que los miembros restantes de Queen (Brian May, Roger Taylor y John Deacon) trabajaron añadiéndo nuevas letras y usando voces grabadas por el propio Freddie antes de su muerte.

Mientras grábabamos estas canciones tras Innuendo, tuvimos varias
conversaciones y sabíamos que nos quedaba poco tiempo. Nuestra intención era
disfrutar de Freddie tanto como pudiéramos, vivíamos en el estudio y cuando él
llamaba y decía "Puedo ir un par de horas", nuestro plan era hacer uso de él
tanto como nos fuera posible. Nos dijo "Haced que cante algo, escribidme algo y
lo cantaré como nunca".

Brian May

LISTA DE CANCIONES

1. It's A Beautiful Day
2. Made In Heaven
3. Let Me Live
4. Mother Love
5. My Life Has Been Saved
6. I Was Born To Love You
7. Heaven For Everyone
8. Too Much Love Will Kill You
9. You Don't Fool Me
10. A Winter's Tale
11. It's A Beautiful Day (reprise)
12. Yeah!
    

It's A Beautiful Day

Años antes de que Mercury empezara a trabajar en su material en solitario, creó una grabación de una improvisación sobre piano en los Musicland Studios de Münich. Para este álbum fué extendida a dos minutos y treinta y dos segundos.

Made In Heaven

Originalmente del disco en solitario Mr.Bad Guy de Mercury, esta canción, junto con "I Was Born To Love You", recibió un tratamiento especial para este disco póstumo. La banda regrabó la canción adaptándola a su "sonido Queen" y colocaron las voces de Freddie sobre la nueva música.

Let Me Live

Let Me Live es una balada que muestra un raro repartimiento de las voces entre Mercury, May y Taylor. La canción se completó en 1995 tras la muerte de Mercury. Durante los coros, todos los miembros de la banda cantan, dando un aire gospel a la canción.

Mother Love

Fué la última canción que Mercury coescribió con May. Él y Mercury escribieron la canción por su cuenta, junto las letras y posteriormente, lo pusieron en común. May cantó el último verso debido a que Mercury ya no podía hacerlo, ya que sufría de una neumonía bronquial que derivó en su muerte.

My Life Has Been Saved

Empezó como una canción acústica compuesta por John Deacon que data de 1987-1989. Esta versión es diferente a la de entonces, aunque muestra las mismas voces de Mercury. John Deacon toca la guitarra y los teclados, así como su instrumento habitual, el bajo.

I Was Born To Love You

También apareció en el álbum Mr.Bad Guy. Tras la muerte de Freddie, Queen la regrabó, convirtiéndola en una canción acelerada de rock n'roll. Utilizaron las voces, y grabaron sobre ella el resto de instrumentos, pasando a ser una canción típicamente Queen.

Heaven For Everyone

"Heaven For Everyone" fué una canción que Roger Taylor escribió para Queen en 1986, sin embargo, fué abandonada y acabó siendo utilizada por su proyecto en solitario The Cross. Una noche, Freddie visitó el estudio de The Cross y dió ideas a Roger sobre cómo finalizar la canción, al final Mercury hizo las voces principales y Roger los coros. Para Made In Heaven, se mantuvieron las voces de Freddie, pero esta vez fué Brian quien hizo las partes de Roger.

Too Much Love Will Kill You

Fué compuesta por Brian May, Elizabeth Lamers y Frank Musker en algún período entre las sesiones de "A Kind Of Magic" y "The Miracle". Pero debido a algunos problemas discográficos con los derechos de Musker y Lamers no se pudo lanzar la canción en The Miracle. Brian May la tocó al piano y la cantó por primera vez en el concierto tributo a Freddie Mercury. Como curiosidad, también fué interpretada por Brain May y Pavarotti.

You Don't Fool Me

Está fué una de las tres canciones que proceden de las sesiones posteriores a Innuendo. La canción presenta un estilo diferente al de Queen, teniendo un ritmo más propio del dance y la música disco. La canción fué un éxito mundial.

A Winter's Tale

"A Winter's Tale" es una emotiva balada compuesta por Freddie Mercury en su apartamento de Suiza. Freddie se inspiró en el paisaje invernal que se reflejaba a través de su ventana.

Con este disco, Queen cerraron una época, fueron casi tres décadas de memorables momentos, de grandes discos, de inolvidables canciones. Y aún así, una plaga moderna como es el sida truncó para siempre la fructífera carrera de esta banda. Ellos sabían que a Freddie no le quedaba mucho tiempo y decidieron aprovecharlo al máximo, buena prueba de ello es este disco. Un disco lleno de matices, con interpretaciones sublimes y llenas de sentimiento por parte de la banda (parece increíble que aunque Freddie estuviera en las últimas, todavía conservara su voz), hasta la portada rinde un homenaje a su compañero de toda la vida . Sin duda alguna, es el disco más emotivo de Queen, es uno de esos discos que "entra a la primera". Un clásico y una despedida.

Tributo a Ritchie Blackmore

Para toda una generación el nombre de Ritchie Blackmore es sinónimo de "guitarra rock", no porque Blackmore entrara en competición con Jimi Hendrix o Eric Clapton, sino porque con Deep Purple dictó las normas básicas del rock duro y de cómo el estilo y el sonido de los solos de guitarra evolucionarían desde entonces. Aunque pueda parecer absurdo, mientras hay pocos discípulos de Jimi Hendrix, el mundo está lleno de seguidores de Ritchie Blackmore, de músicos que aprendieron a fondo su lección y que empezaron desde ahí a desarrollar un estilo propio.

Algunos, la mayor parte (si se me permite decirlo), interpretaron mal esa lección y se convirtieron en supertécnicos circenses, capaces de tocar un numero desmesurado de notas en un tiempo ridículo, pero otros entendieron que su estilo estaba hecho más de expresividad que de velocidad.

Por tanto, es difícil no incluir a Blackmore entre los maestros de la guitarra eléctrica, como es imposible no reconocer de memoria algunos de sus riffs más memorables (para un guitarrista, aprender las notas de Smoke On The Water es como aprender a decir "mamá"). Y no tanto por el éxito que ha obtenido, tanto con Deep Purple como su banda Rainbow, y con su proyecto de aires juglarescos Blackmore's Night, donde se aleja por completo de su faceta de icono del rock duro. Ritchie Blackmore es recordado por su capacidad para ser un guitarrista completo y original, espectacular y, (sobretodo, en la primera parte de su carrera) innovador.

Es suficiente asistir a un concierto de Blackmore's Night para descubrir la riqueza musical de este personaje, a través de su actual amor por las melodías medievales y clásicas, donde su icónica Fender Stratocaster no hace acto de aparición, haciendo de la precisión su religión. Lo que dista a años luz de ese hard rock con el que se hizo famoso, y con el cual entró a formar parte de la leyenda.

Página oficial de Ritchie Blackmore y Blackmore's Night

http://www.blackmoresnight.com/

UNA GUITARRA PARA INVENTAR UN ARCO IRIS MUSICAL

"Mi objetivo es ser único con la música. Dedico mi vida a este arte"

Quizá Jimi Hendrix era consciente de que se acercaba el fin cuando hizo esta declaración. Era 1970, meses después de estas declaraciones, Jimi Hendrix sería hallado muerto el 18 de septiembre, tras su último concierto en la isla de Wight, la última vez que fué visto en un escenario. Era el fin de una carrera musical brillante, que tan sólo duró tres años como solista. La ruptura de The Experience y los grupos siguientes, así como su breve pero importante amistad con Miles Davis y otros grandes de la música, abrumaron a Hendrix y le condujeron a un aumento de su ya elevado consumo de drogas. Aunque la búsqueda de creatividad musical tuvo un alto precio para Hendrix, tuvo aspectos positivos para él:

"Hay que olvidarse de lo que dicen los demás, cuando se suponen que vas a morir, o cuando se supone que vas a amar. Hay que olvidarse de todo eso. Hay que seguir adelante y estar loco. La locura es el cielo."

Su destreza musical, también impregnó una pieza de Bob Dylan, "All Along The Watchtower", grabada en 1968 como parte del doble álbum Electric Ladyland, la obra más compleja y madura de este artista. Su inicio a la fama vino dado por su versión del clásico de Billy Roberts "Hey Joe". "Purple Haze", una métafora de la niebla psicodélica, confirmó su estrellato, pero con su actuación en el festival de Monterrey en California en el verano de 1967, se elevó a la altura de auténtico icono. Donde actuaron tambien Janis Joplin, The Byrds...todos ellos símbolos de una nueva cultura pacifista de Estados Unidos, que se oponía a la guerra de Vietnam y luchaba por los derechos civiles y las minorías. En Monterrey, Hendrix hizo un gesto que pasó a la historia. En un ritual muy simbólico, al acabar su actuación, se arrodilló ante su guitarra, le echó gasolina y le prendió fuego.

"Cuando quemé mi guitarra fué como un sacrificio. Se sacrifican las cosas que se aman. Yo amo a mi guitarra"

Hendrix escribió canciones que impresionaron al público de la época: visionarias, bastante líricas y muy psicodélicas. La música de los tres álbumes que grabó en su vida, Are You Experienced?,Axis Bold As Love, y Electric Ladyland, fascinan a millones de oyentes. Es música experimental que explora los confines del rock tal y como era entonces. Con un innovador sonido de la guitarra como una especie de generador de sonidos cósmicos, la música busca todo lo que se encuentra en el centro del universo. La Fender Stratocaster de Hendrix se convirtió en un pararrayos del sonido y del ruido. Cuando Hendrix cantó "Voodoo Chile", estaba exponiendo su autobiografía visual en verso: un hijo del vudú, sobre las alas de un águila, llevado a los límites del infinito. La letra estaba acompañada por el más enérgico blues compuesto hasta entonces.

Fué entonces cuando Hendrix se unió al Olimpo de los mayores interpretes de la época y muchos aún lamentan su muerte.

Clásicos: BLACK SABBATH [Black Sabbath]

Hablar de Black Sabbath es hablar de la historia de la música, formados en 1968, fueron los pioneros en asentar las bases del heavy metal. Siendo de gran influencia para muchas bandas posteriores. Sus cuatro componentes eran músicos talentosos e increíblemente creativos, Black Sabbath son famosos por el sonido pesado y oscuro que adquieren las melodías en sus canciones, esto es debido a un accidente que sufrió el guitarrista Tony Iommi; mientras trabajaba en una fundición, una de las máquinas le rebanó la punta de los dedos de su mano derecha, esto no le desanimó, fabricándose él mismo unas pequeñas prótesis de goma para sustituir las puntas de sus dedos. Black Sabbath se ganaron la fama de "satánicos" al componer canciones con letras con temas ocultistas y terroríficos.

En 1969, editarían su disco debut, de nombre homónimo, el cual abre con el siniestro corte "Black Sabbath", acompañado de campanas fúnebres y pesados riffs de guitarra. Uno de los clásicos del grupo, y que fundamentó que se tachase al grupo de satanistas, viendo en la letra de la canción, una clara ideología ocultista. Curiosamente, el tema ha sido malinterpretado, ya que es una advertencia ante el peligro de estas prácticas. "The Wizard" es otro clásico, basado en los libros de "El Señor de los Anillos", con una mágica actuación musical de la armónica del cantante Ozzy Osbourne. En "N.I.B" destaca su solo de bajo, algo impropio para la época, donde el bajo cumplia la función de seguir a la batería. Para el recuerdo, también quedan canciones como "Evil Woman" o "Sleeping Village". Otros temas como "Behind The Wall Of Sleep", abordan pasajes literarios, en este caso a Lovecraft, en su historia corta "Beyond The Wall Of Sleep".

El disco fué grabado en dos días y con un presupuesto de 600 libras, pese a eso, logro una buena acogida. Como anécdota, cabe destacar la misteriosa mujer que aparece en la portada, asegurando que el grupo que originalmente no estaba allí, aunque la lógica nos asegura que pueda tratarse de un fotomontaje. En definitiva, es un disco pionero para muchísimas bandas y géneros posteriores. "The Wizard" y "Black Sabbath" sirvieron de punto de partida para el "doom metal"

1. Black Sabbath
2. The Wizard
3. Behind The Wall Of Sleep
4. N.I.B.
5. Evil Woman
6. Sleeping Village
7. The Warning
8. Wicked World (Ediciones posteriores a 1996)
   

Clásicos: MADE IN JAPAN [Deep Purple]

Entre el 15 y 17 de agosto de 1972 tuvieron lugar los históricos shows en Japón que fueron grabados para ser editado posteriormente, estos serían editados en diciembre de ese mismo año bajo el nombre de "Made In Japan". El disco en directo más famoso de toda la historia y que serviría de ejemplo para bandas posteriores. No existen arreglos ni "trampas" de estudio, la grabación es lo que en verdad fué el concierto.

Sin embargo, es algo irregular ya que las canciones pertenecen a distintos conciertos. Así por ejemplo, la archifamosa "Smoke In The Water" pertenece al primer concierto del día 15 en Osaka, aunque se utilizaron mayormente grabaciones del segundo concierto el día 16, el mejor de ellos fué el show del 17 de agosto en Tokyo. Los propios miembros de la banda lo consideran como uno de los mejores momentos de su carrera, y es aún más apreciado por los fans.
Ian Paice, batería declaró que:

"Son las mejores versiones de Deep Purple que se han grabado jamás"

Como curiosidad, cabe destacar que el grupo editó Made In Japan para acabar con la cantidad de grabaciones piratas que circulaban por aquella época. La intención inicial de la discográfica era publicar el álbum únicamente en Japón, aunque no fué así. En definitiva, es un disco clásico que refleja a la perfección la potente máquina que eran Deep Purple, uno de los mejores momentos del disco es la inicial "Highway Star" (el segundo himno de esta banda) o los mágicos e increíbles solos de Ritchie Blackmore en "Child In Time", así como el espectacular solo de batería en "The Mule". Perfecto de principio a fin.

1. Highway Star 6:50
2. Child In Time 12:24
3. Smoke In The Water 7:31
4. The Mule 9:49
5. Strange Kind Of Woman 9:35
6. Lazy 10:50
7. Space Truckin' 19:41